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sábado, 29 de diciembre de 2012

EXITOSO DEBUT DE LA CCN/NGA EN MADRID

Fotografías  cedidas
por la Delegación del Gobierno de Navarra en Madrid

La CCN/NGA ha debutado de forma excepcional en Madrid en un abarrotado Teatro Español protagonizando el Concierto del Día de Navarra organizado por la Delegación del Gobierno de Navarra en Madrid.
El concierto, titulado "12. Los sonidos de cuatro momentos históricos capitales", ha evocado a las más de 750 personas que han asistido al histórico Teatro madrileño a las diferentes épocas de las efemerides confluyentes en las fechas 1212 - 1512 - 1812 y 2012.
Para ello CCN/NGA ha presentado a dos de sus formaciones estables.
- Capilla renacentista "Michael Navarrus"
- Formación Clásica de la CCN/NGA
La primera obra interpretada en el concierto ha sido el himno de Navarra, cantado por los miembros de las dos formaciones de la CCN/NGA.
Durante el concierto, las dos primeras formaciones han contado con el acompañamiento de la organista Virginia Gonzalo (órgano positivo, organeto y piano) participando como solistas los miembros de la CCN/NGA Beatriz Lorente, Iñigo Casalí y Ariadna Martínez así como la pianista navarra Endika Gutierrez. Todo ello dirigidos por David Guindano. Uno de los puntos fuertes a destacar de la ha sido el re-estreno de la obra de encargo "Zauriak/Heridas" de la compositora afincada en Navarra Yolanda Campos Bergua. Una obra que, de nuevo, no ha dejado indiferente a nadie y que ha sido seguida desde el público con gran atención. La joven creadora ha vuelto ha recibir, como ya hiciera hace una semana en el teatro Gaztambide de Tudela, los cálidos aplausos desde el escenario junto a David Guindano y la Formación Clásica. En definitiva, la CCN/NGA nuevamente ha presentado un programa fuera de lo común vertebrado con motivo de una de las fechas más importantes del año y todo ello en otro escenario espectacular. ¡¡TODO UN LUJO!!

Fuente: Coral de Cámara de Navarra

viernes, 7 de diciembre de 2012

ZAURIAK VIAJA A MADRID



Ya vamos preparando las maletas para la próxima actuación el día 10 de Diciembre en el Teatro Español de Madrid. En programa, de nuevo "12. Los sonidos de cuatro momentos históricos capitales".

martes, 4 de diciembre de 2012

ESTRENO DE LA OBRA "ZAURIAK/HERIDAS" de YOLANDA CAMPOS CON LA CCN/NGA


El pasado domingo 2 de diciembre la CORAL DE CÁMARA DE NAVARRA presentó el concierto "12. Los sonidos de cuatro momentos históricos capitales" ante más de 500 personas en el Teatro Gaztambide de Tudela. El concierto se centraba en un recorrido musical por cuatro efemérides confluyentes en las fechas 1212 - 1512 - 1812 y 2012.

La última obra fue el estreno de la obra de encargo "Zauriak/Heridas" de la compositora de GARAIKIDEAK Yolanda Campos Bergua, un trabajo de música contemporánea vocal que no dejó indiferente a nadie y que fue seguida desde el público con gran atención. La joven creadora recibió los cálidos aplausos desde el escenario junto a David Guindano y la Formación Clásica (ver foto)

Además, Andoni Arcilla -compositor, tenor y miembro de GARAIKIDEAK-, dirigió al conjunto "Jazzy Leap" (sección jazz y música moderna de la CCN), en el que también participa Maider Irazábal, nuestra maravillosa flauta de GARAIKIDEAK. Un abrazo a todos y enhorabuena.

miércoles, 28 de noviembre de 2012

ESTRENO DE ZAURIAK






ZAURIAK
para coro mixto                                                                   

Coral de Cámara de Navarra

Música: Yolanda Campos Bergua
Texto en castellano: Ignacio Fernández Galindo,
Traducción al euskera: Bingen Amadoz Ongay

Teatro Gaztambide de Tudela
Domingo 2 de Diciembre de 2012
12:00 horas
Entrada: 5€


Las celebraciones del Día de Navarra tienen un programa escogido en el Teatro Gaztambide de Tudela, donde el domingo 2 de diciembre, a las 12 horas, se celebrará el concierto Música en cuatro momentos capitales de la historia de Navarra ( 1212, 1512, 1812, 2012). Este programa de la Coral de Cámara de Navarra abarca un repertorio relacionado con las fechas cruciales de la historia de la Comundiad foral, que es interpretado en uno u otro momento por la totalidad de las formaciones de la Coral de Cámara de Navarra: la “Capilla Renacentista Michael Navarrus”, la Formación Clásica y la Jazzy Leap (Sección de Jazz vocal).

12. Los sonidos de cuatro momentos históricos capitales: 1212 - 1512 - 1812 - 2012

PROGRAMA
El espectáculo se articula en cuatro partes.

I 1212 (Navas de Tolosa)

Obras de Teobaldo I de Navarra (1201-1253), sobrino de Sancho el Fuerte, rey navarro destacado en las Navas de Tolosa. Trovero importantísimo citado como referente por Dante Alighieri.
Canciones de cruzada, religiosas y amorosas.
Beatriz Lorente (soprano), Íñigo Casalí (tenor) solistas, organetto gótico: Virginia Gonzalo, coro unisonal de la Capilla Renacentista Michael Navarrus de la Coral de Cámara de Navarra. CRMN.
Commencerai a faire un lay (lay)
Seigneurs, sachiez (canción de cruzada)
-Dex est ensi come li pellicans (serventés religioso)
Dame, ensi est (canción de cruzada)
Au tens plain de felonnie (canción de cruzada)
Amors me fet conmencier (canción amorosa)

 II 1512 (Conquista castellana de Navarra). Órgano positivo, CRMN

Ave verum corpus Francisco de Peñalosa (ca. 1470-1528) (Reino de Aragón)
En memoria d'Aleixandre Juan de Anchieta (ca. 1450-1523) (Reino de Castilla)
La guerre à Marignan Clément Jannequin (ca. 1485-1558) (Reino de Francia)
Director: David Guindano Igarreta

III 1812 (Constitución de Cádiz). Órgano positivo. CCN/NGA

El despecho y Filis José Sobejano Ayala ( 1791-1857 )
Ariadna Martínez, soprano solista – Endika Gutierrez, Piano.
(Cirbonero, responsable de música durante la Guerra de la Independencia en el regimiento de Francisco Espoz y Mina)
Responso de difuntos Mariano Rodríguez de Ledesma (1779-1847)
(En Cádiz durante 1812, maestro de capilla del Pilar)
O crux, ave spes unica Fernando Sor (1778-1839)
(Importantísimo músico de la época y conocido y represaliado afrancesado)
Veni Jesu Luigi Cherubini (1760-1842)
(Compositor “oficial” de Napoleón Bonaparte)
Director: David Guindano Igarreta

IV 2012
Obra de encargo “Zauriak-Heridas” Yolanda Campos Bergua (1973)
Texto castellano: Ignacio Fernández Galindo, traducción al euskera: Bingen Amadoz Ongay
Director: David Guindano Igarreta

Fin de fiesta.
Moonglow ----- Will Hudson, Eddie De Lange and Irving Mills (arr. Darmon Meader)
Euskera bizi nahi dut fisikoki Andoni Arcilla
Bésame mucho C. Velázquez -Arreglo: Andoni Arcilla
I could write a book----Richard Rodgers (música), Lorenz Hart (letra) Arreglo A. Arcilla
Director: Andoni Arcilla Ballabriga

martes, 20 de noviembre de 2012

THE SWING, NUEVO PROGRAMA DE JAZZY LEAP


El próximo miércoles día 21 el Auditorio Civivox Iturrama de Pamplona acogerá el estreno de "The Swing", el nuevo programa temático de Jazzy Leap dedicado al importante género de la época dorada del Jazz; el Swing.

 Jazzy Leap está de vuelta. Tras su exitosa puesta de largo en el Auditorio Barañain el pasado mes de febrero, la sección de Jazz de la Coral de Cámara de Navarra vuelve con fuerza con un espectaculo dedicado al Swing. El conjunto dirigido por Andoni Arcilla, estará acompañado por el Andoni Arcilla Quartet compuesto por Jorge Abadías (guitarra), Kike Arza (contrabajo), Juanma Urriza (bateria)y el propio Andoni Arcilla a la voz y piano.
En esta ocasión, el programa se centra en la denominada época dorada del jazz: el swing. Dicho calificativo se debe probablemente a la gran popularidad que alcanzó esta música en los años 30. Era el estilo que estaba de moda, que se imponía en las salas… sirva como ejemplo “el Savoy”, donde habitualmente la orquesta de Chick Webb (cuya cantante estrella era la gran Ella Fitzgerald en sus primeros años de carrera) se batía en duelo musical con otra Big Band invitada, tocando consecutivamente a turnos de 30 minutos, luchando por ser la que más excitara al público.
En definitiva, la CCN/NGA nuevamente presenta un concierto poco usual, y que pocas entidades pueden acometer actualmente en nuestro país. ¡¡TODA UNA EXPERIENCIA!!

Miércoles 21 de noviembre
Lugar: Auditorio Civivox Iturrama
Hora: 20:00 horas
Duración: 1 hora
Entrada: Gratuita previa retirada de invitación desde una hora antes del comienzo del espectáculo. Máximo 2 por persona.

martes, 13 de noviembre de 2012

PRÓXIMA CITA DEL CMC: ESTRENO DE "HUTS" EN EL CENTRO HUARTE



ESTRENO DEL ESPECTÁCULO MULTIMEDIA "HUTS" (Cero/vacío), una libre aproximación estética desde la danza y la música contemporánea a la escultura de Jorge Oteiza.

Cartel diseñado por Marta Mendía
para el estreno del ballet "HUTS" (Cero/vacío).
La fotografía de Jorge Oteiza en su estudio de Madrid
ha sido cedida por la Fundación-Museo Oteiza
Día: Jueves 15 de noviembre                                               
Hora: 20:00 h
Lugar: CENTRO HUARTE (Uharte, Navarra)

Músicos: 23 (solistas o en conjuntos de cámara)
Narradores: 2
Autores: 6
Bailarines: 9
Obras: 6 (estreno absoluto)




Propiedad intelectual: Las obras han sido creadas para su difusión libre y gratuita en el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, de manera que ninguna entidad de gestión de explotación de derechos, en aplicación de la Ley de Propiedad Intelectual (23/2006, de 7 de julio, y RDL 1/1996, de 12 de abril), puede recaudar, gravar económicamente o utilizar dichas obras para un uso diferente del expresado en los estatutos del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, como es la difusión libre, gratuita y sin ánimo de lucro.

miércoles, 7 de noviembre de 2012

HOMMAGE. Concierto de la Coral de Cámara de Navarra


HOMMAGE

Auditorio Fernando Remacha, Ciudad de la Música, Pamplona
Viernes 9 de Noviembre, 19.30 horas

Obras de Remacha, Debussy, Jean Françaix y Stravinsky
Homenaje a Jean Françaix en el centenario de su nacimiento y a Claude Debussy en el 150 aniversario del suyo.

Abundando en la idea de un convenio estable con el Conservatorio Superior de Música de Navarra, la Coral de Cámara de Navarra presenta el primer concierto de colaboración con dicho centro. El objetivo no es otro que ofrecer a alumnos destacados de diversas especialidades, una experiencia cercana a lo que en su futuro profesional se van a encontrar. En esta ocasión ofrecen dicha colaboración en uno de los conciertos que integran nuestro Ciclo propio Encantando.
En HOMMAGE se celebra el centésimo aniversario del nacimiento del importante, a la par que poco conocido, compositor francés Jean Françaix del mismo modo que el 150 aniversario de Claude Debussy.
Se ha  programado un concierto mixto de cámara, vocal e instrumental que recoge obra de ambos autores y de uno de los referentes absolutos en la composición seria del siglo XX europeo, Igor Stravinsky, que incluye la hasta ahora inédita en Pamplona “Misa” del compositor ruso. En la que será la primera actuación en el auditorio “Fernando Remacha” de la Ciudad de la Música de Navarra,  el programa abrirá con dos obras de Fernando Remacha, muy influenciado por Stravinsky, como merecido homenaje a una personalidad indispensable en la historia de la música y la educación de la misma en Navarra.


PROGRAMA. Obras de Stravinsky, Jean Françaix y Debussy

Fernando Remacha (1898-1984)

Cinco canciones castellanas a Randall Thompson, coro mixto “a cappella” 1948
- De colores
- Arroró
- Dices que no me quieres
- Majo si vas a los toros
- ¡Qué contenta está la novia!

Cuando te miré a los ojos a Miguel Troncoso (Texto: Miguel Troncoso) 1952

Claude Debussy (1862-1918)

Trois Chansons de Charles d'Orléans, coro mixto “a cappella” 1908
- Dieu! qu'il l'a fait bon regarder
- Quand j'ay ouy le tabourin
- Yver, vous n'estes qu'un vilain
- Syrinx, flauta sola, 1913


Jean Françaix (1912-1997)

Quattuor à ventes, 1933 (ft, ob, cl, fag)

Igor Stravinsky (1882-1971)

Cuatro canciones campesinas rusas, 1916, coro voces iguales de mujer “a cappella”
Ave Maria, 1934, coro mixto “a cappella”
Pater Noster, 1926, coro mixto “a cappella”
Misa (Mass) - 1948 (19’) coro a 4 voces mixtas, 2 ob., c.i., 2 fg., 2 tpt., 3 tromb.
- Kyrie
- Gloria
- Credo
- Sanctus
- Agnus Dei

Propina: Canción negra - Xavier Montsalvatge (1912-2002)
En el centenario de su nacimiento. Para coro solo.

El concierto, el tercero del Ciclo Encantando, supone el debut de la CCN/NGA en el Auditorio Fernando Remacha de la Ciudad de la Música.
La entrada general tiene un precio de 5 euros. Los alumnos de los conservatorios tendrán la entrada gratuita.

domingo, 4 de noviembre de 2012

"HUTS", SEGUNDA PRODUCCIÓN DEL CENTRO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA GARAIKIDEAK

El escultor vasco Jorge Oteiza (1908-2003)
protagonista de HUTS

Día: 15 de noviembre, jueves
Hora: 20:00
Lugar: Centro Huarte de Arte Contemporáneo (Uharte, Navarra)
Título: HUTS (vacío/cero)
Montaje: danza y música contemporánea en directo y de estreno.
Duración: 80 minutos
Participantes:
    10 bailarines
    21 músicos
    6 autores
    5 técnicos audio/vídeo/fotografía

HUTS (vacío/cero) Este es el título del ballet que se estrenará el jueves 15 de noviembre en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo, y que supone la segunda coproducción que realizan el Centro Huarte y el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK. HUTS es un ballet de danza y música contemporánea de nueva creación inspirado en las seis esculturas de Jorge Oteiza que se encuentran ubicadas en el entorno urbano de Pamplona: Unidad triple y liviana; Monumento al prisionero político desconocido. Homenaje al espíritu; Momento espiritual; Homenaje a Sáenz de Oiza. Partición del espacio por oposición de dos diedros; Coreano; y finalmente, Retrato de un gudari llamado Odiseo. Cada una de las obras de Jorge Oteiza (1908 – 2003) ha inspirado una obra de música contemporánea, que ha servido para crear igualmente seis coreografías de estreno. El título, HUTS, término que en euskera alude tanto al vacío como al cero, remite a una de las grandes preocupaciones del genio de Orio.

Para la producción del concierto, que ha contado con la colaboración del Fundación – Museo Oteiza, de Alzuza, se han establecidos desde los meses previos dos líneas de trabajo: en primer lugar, la distribución de intérpretes en solistas o conjuntos de cámara (entre tres y catorce músicos por agrupación) y bailarines de acuerdo con los autores y coreógrafos, y en segundo lugar, la composición de seis obras inéditas, de estética libre y contemporánea, que permitiera la participación de todos los miembros del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK como autores o como intérpretes.

Este concierto supone para el Centro su segundo y más importante reto desde su fundación en enero de 2010. Tras el estreno del concierto MÚSICA INAUDITA (noviembre de 2011) el ballet HUTS permite el cumplimiento de varios de los fines fundacionales de GARAIKIDEAK, ya que a la difusión e interpretación de música contemporánea, se añade el desarrollar de forma colectiva, entre autores e intérpretes, el estudio de un lenguaje musical propio teniendo en cuenta las aportaciones de los intérpretes tanto a nivel técnico como estético.

El ballet “HUTS”, con la coordinación técnica de Carmen Larraz y Julio Terrazas, será estrenado por los siguientes bailarines (10): Josune Castellot, Andrés Beraza, Iñaki Fortún, Virginia Oroz, Itxaso Etxepeteleku, Carmen Larraz, Javier Goikoetxea, Julio Terrazas, Maribel Martínez, y Maitane Azpirotz.

Los intérpretes de la música en directo (21) son: Bea Monreal (oboe), Javier Pelegrín (percusión), Maite Martínez de San Vicente (piano), Javier Eguizábal (percusión), Juan Cazcarra (acordeón), Casandra Álvarez (oboe), Endika Gutiérrez (piano), Javier Pérez (clarinete), Miguel Rodríguez (trombón), María Suberviola (piano), Roberto Laita (trombón), Xabi Olazabal (acordeón), Irene Villar (flauta), Asier Zabalza (director de conjunto), Maider Irazábal (flauta), Fernando Arnedo (saxofón), Juan Bordes (percusión), Iker Martín (saxo), Alberto Chacobo (trompa), Jesús Soria (tuba) e Ignacio Fernández Galindo (tuba)

Los autores de las composiciones musicales son seis: Yolanda Campos, Urtzi Iraizoz, Carlos Rodrigo, David Cantalejo, Patxi Rodríguez e Ignacio Fernández Galindo.

Todas las obras musicales que se estrenarán el 15 de noviembre formarán parte del catálogo de la Biblioteca Virtual de Partituras del Centro, al que próximamente se podrá acceder libremente por Internet para su descarga legal y gratuita, siempre y cuando se cite la autoría de la obra y no tenga su interpretación o grabación uso comercial.

El Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK es una iniciativa cultural de carácter privado y sin ánimo de lucro que reúne ya a más de veinte músicos de Navarra, Euskadi, La Rioja y Aragón, y que tiene como objetivo crear, estrenar en concierto y difundir gratuitamente trabajos de composición dentro del campo de la música contemporánea. El Centro desarrolla su actividad de gestión de proyectos, reuniones y sesiones de grabación en las instalaciones de CTL Escuela de Imagen y Sonido, en Pamplona.

Son fines fundacionales del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK los siguientes:
 Difundir la música contemporánea y la producción musical relacionada con las creaciones actuales tanto dentro como fuera del ámbito académico.
 Fomentar el libre intercambio de ideas y el desarrollo de proyectos con compositores, intérpretes, musicólogos, estudiantes, aficionados e investigadores interesados en el campo de la creación musical.
 Crear una biblioteca musical de partituras propias con difusión pública, si así lo deciden sus autores, y favorecer el acceso gratuito a partituras de reciente creación dentro del marco legal de los derechos de autor.
 Promover iniciativas que permitan el estreno de obras de música contemporánea a través de conciertos o grabaciones.
 Asesorar en materia de propiedad intelectual a todas aquellas personas interesadas en la creación, interpretación o grabación de obras inéditas.
 Impulsar la producción discográfica dedicada a composiciones recientes de autores.
 Promover la creación en Navarra de un Centro para la Difusión de la Música Contemporánea
 Impulsar y fomentar lazos y colaboraciones con otras disciplinas artísticas y escénicas.
 Favorecer el contacto entre músicos e intérpretes a través de asociaciones con objetivos similares así como la libre difusión de estudios y trabajos especializados.
 Establecer contactos con instituciones culturales para la difusión de los fines del Centro

Para el cumplimiento de estos fines se están realizando desde enero de 2010 las siguientes actividades:
• Reuniones periódicas con los miembros del Centro e interesados para estudiar y favorecer la interpretación de obras de todo tipo de conjuntos instrumentales.
• Ayudar a la preparación, diseño y gestión de grabaciones discográficas relacionadas con los fines del Centro.
• Creación de un blog (http://cmcgaraikideak.blogspot.com) como plataforma de contacto para el público con información referente a la actualidad musical, como noticias, convocatorias de concursos y conciertos, junto con enlaces para descarga gratuita de partituras originales (Biblioteca Virtual de Partituras)
• Suscribir convenios con entidades públicas para la interpretación de música dentro de programas y actos culturales.

lunes, 29 de octubre de 2012

martes, 16 de octubre de 2012

Vuelta al cole

Después de este paréntesis que ha resultado un poco más largo de lo esperado, dos nuevas aportaciones que espero sean de vuestro agrado.

La primera de un maestro de sobras conocido y admirado: Gérard Grisey y su obra "Les Chants de l'Amour", para coro y moduladores.



La segunda entrada corresponde a la obra "Agnus Dei", del compositor americano Pierre Jalbert.
Nacido en 1967 en Manchester, Jalbert se crió en el norte de Vermont, su familia era originaria de Quebec.
Comenzó a tomar lecciones de piano a la edad de cinco años, sumergiéndose en el repertorio clásico, así como en las canciones populares francesas e inglesas y música litúrgica católica.
Obtuvo un doctorado en Composición en la Universidad de Pennsylvania bajo la tutela de  George Crumb.
Jalbert incorpora música tonal y modal con armonías disonantes,  manteniendo una sensación de movimiento armónico. Es particularmente conocido por su dominio del color instrumental. Sus formas rítmicas son convincentes, a menudo con una inconfundible sensación de pulsación subyacente.
Aunque su música no es programática, Jalbert se ha inspirado en una variedad de fuentes, incluyendo los fenómenos naturales.

Pierre Jalbert es profesor de Composición y Teoría en la Escuela Shepherd de la Universidad Rice en Houston, donde enseña desde 1996, y es también  uno de los directores artísticos de Musiqa, un grupo de cámara de música contemporánea con sede en Houston .

lunes, 23 de julio de 2012

Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares

Autor/a: Sergio Blardony

No empieza muy bien el veranito, no.
Escribo esto todavía con el jadeo propio de un desasosiego extraño y muy desagradable, y con la cara de pan que queda después de darse de bruces con una desastrosa noticia: el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares acaba de desaparecer. Se ha volatilizado, evaporado; así, sin más, de la noche a la mañana. El Colegio de Basilios que la albergaba desde 1987 yace ahora cerrado a cal y canto, quizá por más tiempo del que estuvo antes de que el Aula de Música encontrara allí su lugar. ¿Cuál será el nuevo uso de este magnífico edificio del siglo XVII? ¿Volverá a su función de prisión militar adoptada en nuestra triste posguerra? Por lo que se sabe de momento, tal y como ha sido el desalojo y despedida, los objetos personales de sus trabajadoras no han sido amnistiados y permanecen inalcanzables en los despachos. Vayan juzgando también los modos, además del fondo.
Y no es esta una mala noticia cualquiera, no, porque se puede decir que el Aula de Música tiene viso histórico en el hacer educativo y cultural de nuestro país (algo acorde con el prestigio histórico de la universidad fundada por Cisneros en el último año del siglo XV). No en vano por ella pasaron –en una época donde todavía casi nadie paraba por estas tierras, no lo olvidemos- figuras enormes de la música europea y americana. Compositores, intérpretes e investigadores del arte musical que lograron ser atraídos por el buen hacer académico y el hambre de conocimiento musical que se respiraba en ese país de pandereta, toros, fútbol, paella y tórrida playa que todavía era España, y que parece algunos se empeñan, en una especie de alarde valleinclaniano, en rememorar a cada momento. No es cuestión de aburrir con nombres, pero daré unos cuantos, para que la memoria no nos juegue una mala pasada y se pueda pensar que inflamos el drama: Samuel Adler, Paul Badura-Skoda, Helmut Lachenmann, Jonathan Harvey, Sylvano Busotti, Bryan Ferneyhough, Philippe Hurel, Mauricio Kagel, Maria João Pires, Charles Rosen, R. Murray Schafer, Salvatore Sciarrino… Y no cuento los españoles, que son multitud también, aunque sí diré que algunos fueron “restaurados” en el conocimiento público del país gracias a esas venidas desde esa Europa que todavía nos inspiraba cierta desconfianza y temor. Ahora, desde otra perspectiva muy distinta, terror es lo que nos produce. Curiosa paradoja, sí señor, si al final ha sido esa cultura centroeuropea que afloró en el Aula de Música en sus años de gloria la que indirectamente le echa el cierre, sirviéndose de los verdugos del recorte, éstos, con unas formas muy nuestras, eso sí.
El que escribe no puede ocultar que ha tenido un vínculo intenso con el Aula de Música, no sólo porque allí tuve mi última formación compositiva con uno de sus protagonistas, José Luis de Delás, sino porque después hubo iniciativas que no lograron fraguarse, en buena parte  debido a la carrera hacia la destrucción que parece que emprendieron quienes la han hecho desaparecer definitivamente (u otros de similar talante). Ésos y otros frustrados intentos de iniciar proyectos novedosos dejaron también personas en el camino, algunos amigos, como ocurrió cuando se creó el CENAH (Centro de las Artes de la Universidad de Alcalá), fundado realmente para fagocitar cualquier independencia de las aulas universitarias dedicadas a las artes, eliminando de un plumazo y con nocturnidad, igual que lo ha hecho ahora con toda la institución, por ejemplo, a su nuevo director, dejándola definitivamente huérfana de esta figura. Por cierto, es curioso, el CENAH ha desaparecido del directorio de centros en la web de la universidad alcalaína. Misterios en los pasillos de la ilustre institución…
Pero al principio hablé de incredulidad con rostro de hogaza, y no es del todo cierto. Esto se veía venir desde hace tiempo. Los últimos cambios en la gestión del Aula de Música, que incluían la autofinanciación (cuando cualquier hijo de vecino sabe que esto es inviable en una actividad de este tipo), parecían pergeñados para labrar el desastre. La vuelta de espalda de la Fundación Caja Madrid supuso un punto de inflexión en ese lento desangrarse, y ahora resulta interesante recordar que, en sus orígenes, el Aula de Música recibió el respaldo de instituciones como la Confederación Empresarial Independiente de Madrid (CEIM) o el Instituto de Crédito Oficial (ICO). Empresarios y entidades financieras públicas apoyando la cultura, ya era raro entonces, pero… ¡cómo cambian los tiempos! Hoy, cuando intentamos organizar un acto cultural o educativo, sólo recibimos facturas con membrete de administración pública en concepto de “cesión de espacio público”. Dar, lo que se dice dar, nada; o como mucho, las migajas de la vergüenza.
La “cultura de la excelencia”
No hay más que pasarse por cualquier web de universidad española para atragantarse de “excelencia”. La Universidad de Alcalá de Henares no sólo no es excepción, sino que en su presentación se habla en estos términos: “Durante los siglos XVI y XVII, la Universidad de Alcalá se convirtió en el gran centro de excelencia académica: en sus aulas enseñaron y estudiaron grandes maestros como Nebrija, Tomás de Villanueva, Ginés de Sepúlveda, Ignacio de Loyola, Domingo de Soto, Ambrosio de Morales, Arias Montano, Juan de Mariana, Francisco Vallés de Covarrubias, Juan de la Cruz, Lope de Vega, Quevedo…” Así que estamos ante la “excelencia histórica”, aquella que no sólo alude a lo que puede venir sino también a de dónde venimos, algo que debería dejar poso y obligar a la reflexión sosegada en las decisiones drásticas. “Excelencia” es talento, algo que nunca faltó entre las paredes del Aula de Música y sí parece escasear en las altas instancias.
Pues bien, señores, tomando sus palabras, ¿qué es sino “excelencia”, por ejemplo, traer a un Aula de Música a un pianista y teórico como Charles Rosen? ¿No es suficiente con que enseñe en las universidades de Harvard, Oxford o Chicago? Un pianista como él, heredero casi directo –a través de su maestro Rosenthal- del pianismo lisztiano, ¿no es merecedor de la calificación de “excelente”? ¡Pues si hasta tiene un premio Pulitzer! Pues no, no parece suficiente. La “excelencia” parece moverse en otros lares, en los de los políticos, los banqueros, los empresarios de as de oros en la solapa y de bastos en la manga… Ciertamente, estamos ante los mismos complejos nacionales que nos asaltaban tiempo ha, cuando el rechazo a la cultura no era todavía encubrimiento, sino que nos servía para la afirmación. Hemos pasado sin solución de continuidad del “y a eso lo llaman arte… ¡Bah!, si eso lo hace un niño” al “Miró es deslumbrante, increíble, un verdadero genio. ¿Que qué me dice?, ¿a mí?, pues no sé…”. Podemos adivinar fácilmente el final de la frase: ”…mi hijo hace cosas así”.
Todo esto parece responder tristemente a un problema cultural crónico, que arrastramos desde hace mucho, demasiado tiempo. Fueron los desastres del 98 y la explosión intelectual que surgió a su alrededor los que nos hicieron tomar conciencia plena por vez primera. La pérdida definitiva del imperio no nos sentó bien, reconozcámoslo. Y después… después vendrán muchos grandes a incidir en ello, y Machado a decirlo con voz clara en un conocido poema de un conocidísimo poemario referido a Castilla, perfectamente extensible al resto de España: Castilla miserable, ayer dominadora, / envuelta en sus andrajos desprecia cuanto ignora. Y, como escribe el pianista Josep Maria Colom en una carta recién enviada a las redes sociales sobre la triste desaparición del Aula de Música, en la que fue docente desde su inicio: “El precio de una cosa lo conoce cualquiera; captar el valor es más sutil y requiere cultura y responsabilidad. La pena es que la mayoría de quienes manejan el poco dinero público que va quedando no ven ni quieren comprender la diferencia.”
Y así nos va. Dándole a la podadora sin compasión ni contemplaciones, cortando las mismísimas raíces (se diría que con al menos un punto de sadismo innecesario), creyendo los brillantes jardineros que luego saldrá algo de la tierra, aunque lo que brote sea una pura deformación. O, peor aún, sabiendo que no crecerá nada, que no importa volver a dejar el país como un desierto. Porque quitar infraestructuras y recursos en la educación musical es, en un país como el nuestro, convocar al desastre. No, no teníamos tanto, no estábamos nada sobrados, cualquier golpe bajo nos hace daño, más que pupa. Pero si, encima, la estocada es tan vil y traicionera, si se hace con nocturnidad y alevosía, tan cobardemente, no nos queda más remedio que pensar que es imprescindible el grito de defensa y acusación. Se hace cada vez más necesario alzar la voz contra aquellos que piensan que todo se soluciona despachando lo desconocido, lo que estorba por carencia propia, creyéndose que es una prenda sobrante en su vestidor por el mero hecho de que desconocen su utilidad en las malas noches de invierno. Una palabra que no les gustará oír, pero ante la que sólo podrán defenderse con hechos demostrables en su quehacer académico: INCULTURA.

viernes, 1 de junio de 2012

BOTWIN: UN HOMENAJE A LOS OLVIDADOS DE LA GUERRA CIVIL. EN MEMORIA DE TANTO DOLOR.

Ficha técnica de la obra y su grabación: Composición: febrero de 2012
Grabación: marzo y abril de 2012 en Estudios Arión
Intérpretes: Fernando Arnedo (saxofón) y Juan Bordes (percusión)
Narradora: Dorota Grzeskowiak
Técnico de Sonido: Jesús Los Arcos (Estudios Arión/CTL)
Coordinación: Francesca Croccolino (Conservatorio Superior de Navarra)
Autor: Ignacio Fernández Galindo Duración: 24 minutos

Hace escasos meses un grupo de músicos vinculados al Cmc GARAIKIDEAK, al Conservatorio Superior de Navarra y a CTL Escuela de Imagen y Sonido decidimos llevar adelante la creación de una obra de música contemporánea que relacionase varios elementos: la composición, la interpretación/grabación en estudio, la poesía y la historia contemporánea, en especial la Guerra Civil española (1936-1939).

El resultado ha sido una obra titulada BOTWIN, para narradora, saxofón alto y percusión, que ha sido grabada en dos sesiones en Estudios Arión/CTL Escuela de Imagen y Sonido durante los meses de marzo y abril, y que próximamente será donada al CmC GARAIKIDEAK para su difusión libre y gratuita a través de la Biblioteca Virtual de Partituras. En la actualidad, sus promotores están buscando un espacio en el que realizar el estreno absoluto de la obra.

Las partituras van a ser donadas a bibliotecas e instituciones de Israel, España, EE.UU. y Polonia.

La idea de la obra surge cuando su autor, Ignacio Fernández Galindo, encontró hace dos años documentación del Instituto de Cultura Polaca, adscrito a la embajada de Polonia en Madrid, sobre la Compañía Botwin, de la XIII Brigada Dombrowski del Batallón Palafox, perteneciente a las Brigadas Internacionales. Esta compañía fue creada en Tardienta (Zaragoza) en diciembre de 1937 y su excepcionalidad respondía al hecho de que sus integrantes eran judíos, mayoritariamente polacos. El nombre de la unidad se escogió como homenaje a Naftalí Botwin, un líder comunista polaco condenado a muerte en 1925. Durante sus meses de participación en la contienda, especialmente en los frentes de Extremadura, Madrid y Aragón, llevaron a cabo una profusa actividad cultural e informativa, como la creación de poemas e himnos y la redacción de un periódico en yiddish, etc. La historia de los supervivientes de esta compañía es trágica, ya que hubo brigadistas que murieron en campos de concentración nazis, en el gulag soviético, en combates durante la Segunda Guerra Mundial, o que fueron expulsados de su Polonia natal en la postguerra. Sendos monumentos en los cementerios de Fuencarral (Madrid) y Monjuich (Barcelona) son los escasos recuerdos públicos que existen en la actualidad.

Para la documentación histórica de este proyecto, el autor ha recibido la ayuda de numerosas instituciones como la Universidad Hebrea de Jerusalén (Israel), la Asociación de Amigos de las Brigadas Internacionales, la Universidad de Castilla-La Mancha, el Archivo de la Brigada Lincoln (Nueva York, EE.UU.), el Centro Oberlin de Lenguas y Culturas (Ohio, EE.UU.), el Instituto Cervantes (Varsovia), el Instituto Huygens de la Royal Netherlands Academy of Arts & Sciences (La Haya, Holanda), la Federación de Comunidades Judías de España y la Embajada de Israel en España; además de una larga lista de profesores e investigadores, como Raquel Ibáñez, Gail Malmgreen, Sebastiaan Faber, Santiago Díaz-Jove, Ana Pérez, Eran Torbiner y Germen Zaagsma, entre otros.

Desde el punto de vista musical, la obra está estructurada en tres partes:
PARTE I.- Narración del poema Sni mi sie Majdanek del poeta polaco Lejb Olicki (1894-1975), con acompañamiento de percusión (arcos sobre gong y copas, más temple block/clave)
PARTE II.- Descripción musical de ideas relacionadas con el sentido anímico/emocional de los hechos narrados. Oscila el discurso entre atonalidad/tonalidad con referencias explícitas a música relacionada con la Guerra Civil española.
PARTE III.- Narración del poema Obóz glodowy pod jaslem de la poetisa y Premio Nobel de literatura Wislawa Szymborska (1923-2012, fallecida precisamente durante el proceso de composición de esta obra)

Aprovechamos esta entrada del blog para dar a conocer, por lo menos de forma sintética, cuál es el resultado de estos meses de trabajo.
Si este proyecto puede interesar al alguien para su estreno, pueden ponerse en contacto con el autor en la dirección: info@ctl-online.com

Pueden escuchar más información sobre BOTWIN en la entrevista realizada para RADIO SEFARAD en el mes de abril, institución cultural de la FCJE a la que agradecemos su interés y respeto por el trabajo. http://www.radiosefarad.com/JOOMLA/index.php?option=com_content&view=article&id=16280:la-entrevista&catid=89:la-entrevista&Itemid=92

Por último, nuestro más sentido recuerdo por Wislawa Szymborska. A ella, a Olicki y a los bridadistas. Para que su recuerdo no se borre.

martes, 29 de mayo de 2012

Harrison Birtwistle: "The Cry of Anubis" (1994), for tuba and orchestra

Harrison Paul Birtwistle es un compositor inglés considerado como uno de los compositores modernos más significativos de ese país.

Ingresó en el Royal Northern College of Music de Mánchester en 1952 como estudiante de clarinete. Allí conoció a los compositores Peter Maxwell Davies y Alexander Goehr, y junto a John Ogdon y Elgar Howarth formaron el «New Music Manchester Group», que se dedicó a interpretar música serial y otras obras de estilo moderno.

Las obras de Birtwistle son de un moderno estilo complejo. Sus primeros trabajos a menudo evocan a Igor Stravinsky y a Olivier Messiaen (ambas reconocidas influencias), y su técnica de yuxtaposición de bloques de sonido es a veces comparada con la de Edgar Varèse. Su música hace frecuente uso de ostinatos y a
menudo tiene un componente de sentimiento ritual.


lunes, 21 de mayo de 2012

Per Nørgård: Sinfonia nº 3


Per Nørgård nació en Dinamarca en 1932. 
Estudió con Vagn Holmoe en la Real Academia Danesa de Música  de Copenhague y, posteriormente con Nadia Boulanger en ParísInfluenciado por los estilos nórdicos de Jean Sibelius , Carl Nielsen y Vagn Holmboe , en la década de 1960, Nørgård comenzó a explorar las técnicas modernistas de Europa central.
Con el tiempo, desarrolló  un sistema compositivo basado en La serie infinita,  que serializa la melodía, la armonía y el ritmo. El método toma su nombre de la naturaleza sin fin, comparable a la geometría fractal . La serie infinita  resultó ser una inspiración para muchas de sus obras durante los años 1960. La serie infinita armónica y rítmica se desarrollaron en la década de 1970 y ,conjuntamente la serie melódica, se integraron por primera vez en Sinfonía N º 3 .
Nørgård ha compuesto obras en todos los géneros principales: seis óperas, dos ballets, siete sinfonías  y otras piezas para orquesta, varios conciertos, obras corales y vocales, un enorme número de obras de cámara (entre ellos diez cuartetos de cuerda) y varias obras instrumentales solistas. Nørgård es también un escritor prolífico. Ha escrito muchos artículos sobre la música, no sólo desde una perspectiva técnica, sino también un punto de vista filosófico.


martes, 15 de mayo de 2012

C(h)oeurs. Alain Platel

Documental sobre el polémico espectáculo C(h)oeurs, creado por el director de escena y coreógrafo belga Alain Platel, basado en una selección de los pasajes de coros más conocidos de obras de G. Verdi y R. Wagner.
El espectáculo denominado C(h)oeurs (juego de palabras entre coros y corazón) , exhibido en el Teatro Real desde el lunes, ha provocado reacciones nada habituales en la crítica musical madrileña.

Una noche en el Real. C(h)oeurs

miércoles, 25 de abril de 2012

Entre luces y sombras

Conservatorio Superior de Navarra
Auditorio Fernando Remacha
30 de Abril de 2012 19.30 hrs

ENTRE LUCES Y SOMBRAS

Siguiendo el consejo de los promotores de este concierto, mantendremos en secreto tanto las obras como los autores representados en el programa. Esta iniciativa poco usual e increíblemente atractiva forma parte de un trabajo fin de carrera en la especialidad de Musicología realizado por Saioa Bildarratz, y ha recibido el apoyo y la colaboración del CmC GARAIKIDEAK.Para entender un poco mejor el objetivo de este concierto-estudio, reseñamos unas palabras extraidas del programa:

La percepción de la música no ha sido la misma a lo largo de la historia. A grandes rasgos, ha habido épocas en las que la música cumplía un fin totalmente pragmático, otras en las que servía de vehículo de la palabra y otras, las menos, en las que cumplía una función estética al servicio de las clases sociales dominantes. Todo ello teniendo en cuenta la particular forma de ser y los valores de una parte de la sociedad en cada momento. Sin embargo, todo ese bagaje cultural que hoy conocemos hace que el oyente actual sienta la necesidad de regirse por formas de escucha anteriores, como si él no fuera en parte responsable de la evolución musical de su tiempo. Ante todo debe tener la curiosidad suficiente como para querer encontrar y percibir elementos nuevos, más propios de la compleja y cambiante sociedad de la que forma parte. Esto no significa que el resultado de una obra actual tenga que tener necesariamente un único sentido, sino que hay muchas y muy variadas formas de crear una sonoridad moderna, incluso a través del propio silencio.

miércoles, 11 de abril de 2012

Los Duendes de la Música



Palacio de Congresos de Jaca. 22 de Abril de 2012- 12.00h

Espectáculo multimedia infantil con la interpretación de los cuentos musicales "La costurera del Sonido"(I premio Sieteleguas Ediciones 2009 de cuentos musicales),"El Atrapanotas" y "El Ima in", con música original de Yolanda Campos, texto de Fernando Fuentes e ilustraciones de Jorge del Corral.

La Escuela Pública Municipal de Música y Danza de Jaca “Pilar Bayona” tenía como proyecto, desde hace tiempo, abordar en profundidad el acercamiento de la música a los más pequeños a través de propuestas audiovisuales, escénicas o literarias, adaptadas y dirigidas a dichas edades. Un deseo no basado únicamente en perseguir producciones más atractivas para los niños/as sino, pretendiendo ir más allá, potenciar la interacción de distintas manifestaciones artísticas en un solo espectáculo, siendo por supuesto la música la protagonista o hilo conductor.
Es así como, de forma habitual desde sus comienzos, la Escuela de Música ha venido colaborando con diferentes centros educativos, asociaciones, grupos de teatro, etc, en el diseño y puesta en escena de diferentes montajes.
Es así también como se forjó desde hace años el proyecto de colaboración con la Asociación Banda Municipal de Música de Jaca, con quien existe una estrecha vinculación no solo institucional sino también musical, para iniciar los ciclos de conciertos didácticos organizados por nuestro centro educativo, los cuales tanta aceptación han tenido entre el público en sus diferentes ediciones.

Y precisamente así, derivado de esa respuesta, surge retomar un trabajo que se inica en la Escuela de forma testimonial en su momento, como es el abordar la puesta en escena de diferentes “cuentos musicales”, seleccionados de la amplia relación de obras compuestas hasta la actualidad. Una decidida apuesta, contando para ello no solo con la participación de la Banda Municipal de Música de Jaca, sino también de otras agrupaciones de la Escuela de Música. Y todo ello dentro de una meditada planificación que se irá desarrollando y presentando al público de manera continuada.

Es así como, a propuesta de la Escuela Pca Municipal de Música de Jaca, se encarga
a tres artistas jacetanos la composición y creación (música-ilustración-texto) de dos nuevos cuentos musicales, pensados expresamente para el orgánico de la Banda Municipal de Música de Jaca y para ser estrenados por la misma en nuestra ciudad. Un saltocualitativo y cuantitativo en el inicio de esta nueva andadura, ya no solo por el cúmulo de atractivos elementos que conforman su puesta en escena, sino también, como importante añadido, por la atrevida apuesta de comenzarla a través de creaciones artísticas actuales.
Se persigue pues un objetivo complementario, como es acercar a los más pequeños,
en esa intención didáctica, a las estéticas, lenguajes o formas musicales contemporáneas, aquellas que aspiran a ser la continuación en el siglo XXI de todas aquellas propuestas iniciadas al principio de la anterior centuria por músicos como Stravinsky, Ravel o Bartok. Las que buscaban la sonoridad del mundo que les rodeaba, del mismo modo que lo hicieran en el pasado otros maestros musicales.

PROGRAMA

“La Costurera del Sonido”
La Costurera es un ser mágico que, desde la aparición de nuestro universo, se dedica a recuperar los retazos de sonidos que el devenir de la vida va dejando, para coser la canción del mundo, la armonía melódica que todo lo explica y aúna. Con un hilo trenzado con los sueños de los hombres, va tejiendo su canción que tiene los años del mundo y deberá seguir siendo
tejida hasta que éste se quede sin edad.
* Cuarteto “Sibelius”

“El Atrapanotas”
Es un duende del aire enamorado de los sonidos de la naturaleza, y del empeño de los hombres por remedarlos, que se cuela en los sueños de estos últimos para hacerles sentir la textura de dichos sonidos, para ayudarles a memorizar su estructura, sus compases, sus siempre cambiantes melodías, con un código de escritura que permite a los hombres repetir, una y otra vez, los mismos sonidos sin miedo a perderse o equivocarse.
* Banda Mpal. de Música de Jaca

“El Ima-In”
El Ima-In (imagina instrumentos) es un gnomo solitario que añora la espiritual emoción que alcanzaba al oír los sonidos del bosque y su inabarcable variedad. Sólo esos sonidos le hacen amar la vida, por eso se impone la tarea de llenar las manos de los hombres con instrumentos que emitan toda la sutileza y mutabilidad que contenía el bosque perdido y añorado por él.
Como en el caso de “La Costurera...” y del “Atrapanotas”, se cuela en los sueños de las personas para enseñarles planos de sus imaginaciones instrumentales y darles directrices con las que llevar a buen puerto las mismas.
* Banda Mpal. de Música de Jaca
Con la colaboración al piano de Teresa Palomera Piedrafita.

- Autores -
Yolanda Campos Bergua (Compositora)
Jorge del Corral Escriche (Ilustrador)
Fernando Fuentes Poblador (Textos)

miércoles, 28 de marzo de 2012

Pierre Jodlowski: "Serie noire" (2005) for piano and electronic sound



Pierre Jodlowski es un compositor, intérprete y artista multimedia.
Desarrolla su trabajo en Francia y en el extranjero en el campo de la Música Contemporánea.

"Serie noire" se inspira en diferentes obras de terror; en particular, en algunas de sus variantes cinematográficas.
Cada elemento es parte de un proceso de desarrollo, en relación directa con la banda sonora que evoca momentos de gran tensión. La voz en off omnipresente y las referencias de sonido en la banda sonora podría hacernos creer en una banda sonora de película ...

lunes, 13 de febrero de 2012

Música Contemporánea en Centro Huarte

Divulgar la música contemporánea, un arte que no está lo suficientemente relacionado con el ciudadano y que carece de espacios y opciones para mostrarse, es el objetivo del proyecto que han iniciado en común la Orquesta Sinfónica de Navarra (OSN) y el Centro Huarte, y que se acercará al público el próximo jueves 16 de enero. La sesión tendrá lugar en el Centro Huarte a las 19.30 horas y con entrada libre.

La iniciativa, que nace con vocación de continuidad, parte del formato concierto pero va más allá, al incorporar el análisis de las obras que se podrán escuchar -en las que la trompa será el instrumento protagonista- y el diálogo con los espectadores asistentes en una tertulia posterior. El recital, con elementos electroacústicos y audiovisuales, incluye el estreno en Navarra de Notturno für horn, obra compuesta por Vicent Egea, director de La Pamplonesa. La sesión, en la que participará la formación de cuerda de la OSN, será conducida por el solista valenciano Óscar Sala Minguet, trompa principal de la Orquesta Ciudad de Granada y profesor de repertorio orquestal en Musikene. Para la Sinfónica de Navarra, esta experiencia es "el inicio de una colaboración que esperemos que sea larga", dijo ayer Florentino Briones. Según el director gerente de la OSN, hacía tiempo que la orquesta quería trabajar para acercar al público la música contemporánea, "pero hacía falta un sitio que atrajera al tipo de público adecuado, a un público joven, más comunicativo y abierto hacia cualquier novedad. Y el Centro Huarte es el lugar idóneo", comentó. El director de dicho espacio, Javier Manzanos, situó la iniciativa en el marco "del papel mediador, que nos corresponde, entre la creación contemporánea y el público. La música contemporánea no tiene espacios ni oportunidades de mostrarse, y espero que esta colaboración tenga un largo recorrido", dijo en la presentación del concierto, a la que acudieron también la directora general de Cultura, Ana Zabalegui; el compositor Vicent Egea; y, aunque no físicamente pero sí a través de videoconferencia, el trompista solista del concierto, Óscar Sala.

La pieza de Vicent Egea, que será la primera en sonar el jueves, se estrenó en 2004 en el Palau de la Música de Valencia -también con Óscar Sala como solista-, pero se escuchará por primera vez en Navarra en el Centro Huarte. Notturno für horn (16') nace del deseo de expresar una idea musical a partir de algunas sugerencias plásticas de la obra del pintor Paul Klee. Un creador con el que Egea comparte "ciertas cosas": "Por una parte, la idea de dualidad. La música está llena de dualidad: el raciocinio frente a lo instantáneo y la inspiración, lo oriental frente a lo occidental, la sensación de lo dinámico frente a lo estático... También comparto con Klee la variación, el concepto de no repetición; y la fusión de lenguajes, es decir, el eclecticismo", comentó el compositor y director de La Pamplonesa. Esos aspectos se reflejan en la pieza musical, en la que el empleo del puntillismo, minimalismo, racionalismo mediante recursos matemáticos, serialismo y cromatismo, conviven en un lenguaje amable y personal, intentando buscar el equilibrio entre forma y contenido. Según el solista Óscar Sala, la obra de Egea "pasará con el tiempo a ser una de las piezas clave para el repertorio trompístico".

Junto a dicha composisión, Sala, quien irá acercando al público cada pieza también de forma hablada, eligió para este programa otras dos obras: la clásica-contemporánea Concierto para trompa y cuerdas (20') de Gordon Jacob; y Fantasía para trompas II (12'), de la compositora alemana afincada en Canadá Hildegard Westerkamp, quien basa sus obras en los sonidos del medio ambiente. Esta pieza incorpora proyecciones visuales y elementos electroacústicos mediante la grabación de sonidos de bocinas de trenes canadienses, avisos de niebla de las costas del pacífico y del atlántico canadiense, y sirenas de empresas y barcos de Vancouver y alrededores. En palabras de Óscar Sala, la pieza se inspira "en todos los emisores de sonido que tenemos en nuestra vida cotidiana y están relacionados con la trompa". Al finalizar el concierto habrá un tiempo de diálogo con el público asistente, en el que éste podrá plantear sus dudas e inquietudes respecto al recital.

(Fuente: Diario de Noticias)

miércoles, 1 de febrero de 2012

Estreno de la obra "SUITE PARA TÍTERES” de Ignacio Fernández Galindo

ESTRENO DE LA OBRA “SUITE PARA TÍTERES” EN EL CICLO PAMPLONA ACCIÓN MUSICAL 2012, ORGANIZADO POR EL AYUNTAMIENTO DE PAMPLONA

HORA: Viernes 3 de febrero. 19.30 horas
LUGAR: Civivox Condestable

Original de Ignacio Fernández Galindo para trío de violín, acordeón y piano, inspirada en el cuento “Brunilda, el escarabajo y los tres hechizos” del propio autor. Duración aproximada: 18 minutos

PROGRAMA: Obras de Astor Piazzola, J.S. Bach, Gabriel Fauré, Eduardo Zudaire. Joaquín Taboada e Ignacio Fernández Galindo.

Nota del autor:
La obra se estructura en una suite, con su correspondiente sucesión de números o pasajes, de ahí el título SUITE PARA TÍTERES, pero las similitudes con la música escénica infantil son sólo aparentes. El relato utiliza recursos narrativos infantiles o de tradición oral pero están dirigidos a adultos. A pesar de que el viaje interior de la niña protagonista es extraño y duro, la música que acompaña las escenas es predominantemente tonal. En cuanto al relato, que estoy escribiendo a la vez que la música, lleva el título de BRUNILDA, EL ESCARABAJO Y LOS TRES HECHIZOS. El hilo argumental se aleja de clásicos como Esopo o La Fontaine y se acerca más a la narrativa contemporánea (el texto, una fábula al fin y al cabo, es un alegato contra la desigualdad y la falta de libertad dentro de un escenario irreal e imaginario)

En la partitura aparece citada expresamente la canción THAT OLD FEELING, compuesta en 1937 por Lew Brown (1893 – 1958) y Sammy Fain (1902 – 1989), un clásico que han versionado todos los grandes del jazz, desde Frank Sinatra hasta Ella Fitzgerald, y es uno de mis temas preferidos de los años 30 -tiene una belleza formal imposible de olvidar-. Sobre este tema se construye un arreglo que espero que haga justicia al material original. En este homenaje clásico hay solos muy sencillos, con acompañamientos muy austeros en los dúos hasta la recapitulación del tema con el trío final.

La obra se presenta únicamente con su interpretación musical, ya que el autor está actualmente trabajando en el texto literario del cuento. El método de trabajo ha sido inverso respecto a una adaptación tradicional, ya que el cuento se ha ido construyendo a la vez que la música.


Intérpretes:
Juan Cazcarra, acordeón. Huesca, 1991.
Estudios musicales en el Conservatorio Profesional de Música de Alcañiz, además de cursos de perfeccionamiento musical, de análisis musical y de perfeccionamiento de acordeón. En el verano de 2007 participa en el curso de acordeón organizado por La Escuela Internacional de Música de la Fundación Príncipe de Asturias(Oviedo). Ha participado y ha recibido premios en numerosos concursos como solista y en la categoría de Música de Cámara. Alumno del Conservatorio Superior de Navarra.
Irene García, violín. Logroño, 1991.
Estudios en el Conservatorio de Grado Profesional de La Rioja. En 2010 es seleccionada como violín titular de la Joven Orquesta de Euskadi y actúa como concertino-solista. En esemismo año obtiene una beca para tocar en la Orquesta Sinfónica de Euskadi y participa en diferentes abonos con los directores Andrés Orozco-Estrada, Andrey Boreyko y M. Michal Nesterowich. Es miembro de la Orquesta Sinfónica de La Rioja y colabora en varias orquesta juveniles. Alumna del Conservatorio Superior de Navarra.
Tania Loza, piano. Logroño, 1991.
Estudios en la Escuela de Música de Logroño y en el Conservatorio Profesional de Música de La Rioja. Ha participado en cursos de perfeccionamiento musical y ha recibido clases de orientación pianística. Actualmente estudia en el Conservatorio Superior de Música de Navarra ‘Pablo Sarasate’.

Autor:
Ignacio Fernández Galindo. Pamplona, 1973.
Licenciado en Ciencias de la Información y Ciencias Políticas. Profesor de Comunicación Audiovisual en CTL Escuela de Imagen y Sonido. Estudios iniciales en el Conservatorio Pablo Sarasate. Ha desarrollado proyectos educativos para la postproducción de sonido. Cofundador del Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, un grupo de estudio para la creación y difusión de música contemporánea en Navarra. Ha impartido cursos y seminarios sobre ambientación musical en producción audiovisual, propiedad intelectual y semiótica de la imagen.

miércoles, 25 de enero de 2012

Nueva web de Cmc Garaikideak

Accede a la nueva web de Cmc Garaikideak donde encontrarás más información y contenidos del Centro, así como música, videos y una biblioteca virtual de partituras de libre descarga.

lunes, 23 de enero de 2012

Veli-Matti Puumala: "Chainsprings" (1997)

Veli-Matti Puumala (nacido en 1965 en Kaustinen, Finlandia), estudió composición con Paavo Heininen en la Academia Sibelius desde 1984 hasta 1993. También ha asistido a cursos en la escuela de verano de Darmstadt, Accademia Chigiana de Siena con Franco Donatoni y ha participado en clases magistrales a cargo de Klaus Huber, Gérard Grisey y Lindberg Magnus.
Desde 1989 imparte clases de teoría musical en la Academia Sibelius y composición desde el año 1997.
La música de Puumala se caracteriza por ser colorista,con abundancia de detalles, compartiendo afinidad con la complejidad modernista.

jueves, 12 de enero de 2012

Friedrich Cerha: "Instants"

Friedrich Cerha(1926) es un compositor y director austriaco.
Recibió su educación en la Academia de Música de Viena y en la Universidad de Viena. En 1958, junto con Kurt Schwertsik , creó el grupo "Die Reihe", que fue un instrumento importante para la difusión de la música contemporánea en Austria.
La obra que nos ocupa "Instants" es una de sus últimas composiciones.
Esta obra para orquesta fue realizada entre los años 2006/2007.